Installer une sculpture dans son entreprise, c’est faire entrer l’art dans un lieu de travail. Dans un hall d’accueil, une salle de réunion ou un espace partagé, une œuvre attire le regard, suscite la curiosité et contribue à donner une identité aux lieux.

C’est aussi une manière d’affirmer ses goûts et de faire un choix qui s’inscrit dans la durée.

Mais ce que beaucoup de dirigeants ignorent encore, c’est que l’acquisition d’une œuvre originale d’un artiste vivant peut également leur permettre de bénéficier d’un avantage fiscal.

Pour les entreprises qui envisagent une acquisition avant la clôture de leur exercice comptable, cet avantage mérite d’être connu.

Une œuvre d’art, un investissement durable

Contrairement à de nombreuses dépenses professionnelles, l’achat d’une sculpture permet d’acquérir un bien durable qui reste la propriété de l’entreprise.

La sculpture peut accompagner son développement, participer à l’aménagement de ses locaux et être appréciée quotidiennement par les collaborateurs et les visiteurs.

Elle peut également être choisie pour marquer une étape importante : l’installation dans de nouveaux bureaux, l’anniversaire d’une société ou la réussite d’un projet.

À cet intérêt artistique s’ajoute, sous certaines conditions, un dispositif fiscal spécifique.

Une économie d’impôt pouvant atteindre 25 %

L’article 238 bis AB du Code général des impôts permet aux entreprises éligibles de déduire le prix d’acquisition d’une œuvre originale d’un artiste vivant de leur résultat imposable.

Cette déduction est répartie sur cinq exercices, à raison de 20 % par an.

Prenons un exemple concret : une entreprise acquiert une sculpture dont la base de déduction fiscale est de 10 000 €.

Dans cet exemple, l’économie d’impôt pourrait atteindre 2 500 € sur cinq exercices.

Autrement dit, pour une base d’acquisition de 10 000 €, l’effort financier après économie d’impôt serait de 7 500 €, sous réserve de bénéficier intégralement du dispositif.

La sculpture, elle, reste un bien appartenant à l’entreprise.

Cette simulation suppose un taux d’imposition de 25 %, des bénéfices imposables suffisants et le respect des conditions fiscales du dispositif.

Pourquoi acquérir une sculpture avant la clôture de votre exercice ?

Pour une entreprise qui envisage l’achat d’une œuvre, le calendrier peut avoir son importance.

Une acquisition réalisée avant la clôture comptable permet de commencer à bénéficier de la déduction dès l’exercice concerné.

Même acquise en fin d’exercice, une sculpture peut ouvrir droit à une première déduction annuelle complète, sans calcul au prorata du temps de détention.

Il est donc intéressant d’anticiper le choix de l’œuvre et sa disponibilité afin de concrétiser l’acquisition dans les délais souhaités.

Votre entreprise peut-elle en bénéficier ?

Le dispositif concerne notamment les sociétés soumises à l’impôt sur les sociétés et certaines entreprises imposées dans la catégorie des bénéfices industriels et commerciaux (BIC).

Il ne s’applique pas aux activités relevant des bénéfices non commerciaux (BNC), ni aux entreprises soumises au régime micro.

Le montant annuel de la déduction est plafonné à la somme la plus élevée entre 20 000 € et 0,5 % du chiffre d’affaires hors taxes, après prise en compte des versements de mécénat concernés par ce plafond commun.

Votre expert-comptable pourra déterminer si votre entreprise est éligible et quelle économie fiscale elle peut réellement envisager.

Quelles conditions pour installer une sculpture dans vos locaux ?

Pour bénéficier de la déduction, trois points essentiels sont à respecter.

L’œuvre doit être originale et réalisée par un artiste vivant au moment de l’achat. Les fontes originales en bronze limitées à huit exemplaires, sous le contrôle de l’artiste ou de ses ayants droit, peuvent notamment répondre à cette définition.

Elle doit ensuite être exposée gratuitement dans un espace effectivement accessible au public ou aux salariés pendant l’exercice d’acquisition et les quatre suivants. Un hall d’accueil ou un espace commun accessible aux salariés peut convenir, contrairement à un bureau strictement privé.

Enfin, l’entreprise doit inscrire l’œuvre à son actif immobilisé et affecter les déductions à une réserve spéciale. Ces formalités, ainsi que les conséquences d’une éventuelle revente, doivent être examinées avec son expert-comptable.

Les sculptures d’Alain Choisnet sont-elles concernées ?

Les sculptures originales en bronze d’Alain Choisnet, réalisées en éditions limitées et numérotées, répondent aux critères artistiques prévus par ce dispositif fiscal, sous réserve de vérifier l’éligibilité de l’édition concernée.

Leur acquisition par une entreprise éligible peut ainsi ouvrir droit à la déduction, à condition de respecter les obligations comptables et les modalités d’exposition.

Au-delà de cet avantage, choisir une sculpture reste avant tout une décision personnelle. C’est la rencontre avec une œuvre que l’on souhaite intégrer à son environnement et apprécier au fil des années.

Et si vous choisissiez une sculpture pour votre entreprise ?

Une sculpture peut transformer l’atmosphère d’un lieu, accueillir les visiteurs, accompagner le quotidien des collaborateurs et devenir un élément distinctif de l’entreprise.

Lorsqu’un tel projet correspond à une véritable envie, l’avantage fiscal peut constituer une raison supplémentaire de le concrétiser.

Si vous envisagez l’acquisition d’une sculpture pour votre entreprise, vous pouvez découvrir les œuvres disponibles et choisir celle qui correspond à vos goûts et à l’environnement dans lequel vous souhaitez l’exposer.

Pour toute question concernant une œuvre, sa disponibilité ou les modalités d’acquisition, vous pouvez également contacter directement Alain Choisnet.

Sources et références officielles

• Service Public Entreprendre — Achat d’œuvres d’art par une entreprise
• BOFiP — Dépenses d’acquisition d’œuvres originales d’artistes vivants
• Article 238 bis AB du Code général des impôts

Dispositif actuellement prévu pour les acquisitions réalisées jusqu’au 31 décembre 2028. Les exemples présentés sont indicatifs. L’application du dispositif dépend de la situation fiscale de chaque entreprise et doit être validée avec son expert-comptable.

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Mougins, village d’art et de sculpture contemporaine

À quelques kilomètres de Cannes, Mougins entretient depuis longtemps une relation particulière avec l’art. Dans les ruelles du vieux village, galeries et ateliers font aujourd’hui partie du paysage et prolongent une histoire qui a attiré de nombreux artistes.

Picasso découvre Mougins dans les années 1930 avant de choisir de s’y installer à la fin de sa vie. Francis Picabia y séjourne également. D’autres artistes contribueront à faire du village un lieu étroitement associé à la création artistique.

Cette histoire ne s’est pas arrêtée avec eux. Des peintres et des sculpteurs continuent d’y travailler et d’y exposer, faisant de Mougins un village où l’art appartient toujours à la vie quotidienne.

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L’art au cœur du vieux Mougins

C’est probablement ce qui distingue Mougins de beaucoup d’autres lieux : il n’est pas nécessaire de chercher l’art, on le rencontre simplement en parcourant le village.

Une promenade dans les ruelles peut conduire d’une galerie à un atelier, puis à une exposition temporaire. Peinture, sculpture et photographie se découvrent ainsi au milieu des maisons anciennes, des places et des passages du centre historique.

Certains artistes s’y sont installés durablement. C’est le cas de la peintre Marie Tissot, présente au cœur du village depuis plusieurs décennies et dont l’atelier-galerie se trouve rue des Lombards.

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Alain Choisnet et Mougins

Pour Alain Choisnet, Mougins occupe une place particulière puisqu’il y a tenu une galerie pendant trois ans, au cœur du vieux village. Il y présentait ses sculptures et y a rencontré un public français et étranger.

Il continue depuis à revenir ponctuellement à Mougins pour y exposer. Le Lavoir, à l’entrée du vieux village, a notamment accueilli ses sculptures. Cet ancien bâtiment offre un espace particulièrement adapté à leur présentation et permet au visiteur de circuler librement autour d’elles.

Ces retours à Mougins prolongent ainsi une relation commencée plusieurs années auparavant, dans un village auquel l’art continue de donner une grande partie de son identité.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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L’achat d’une œuvre peut se décider en quelques instants ou demander davantage de temps. Certains savent immédiatement qu’ils souhaitent vivre avec une sculpture ou un tableau ; d’autres préfèrent revenir, comparer ou réfléchir avant de choisir.

Il n’existe probablement pas de bonne manière de décider. L’essentiel est ailleurs : dans l’envie que l’œuvre suscite et dans la place que l’on souhaite lui donner.

Quand le choix est immédiat

Une œuvre peut provoquer une attirance immédiate sans que l’on sache précisément l’expliquer. Un sujet, une attitude, une couleur peuvent y contribuer, mais il arrive aussi que l’ensemble s’impose simplement.

Ce choix spontané n’est pas nécessairement superficiel. Une décision prise en quelques minutes peut rester tout aussi forte des années plus tard.

Chercher à rationaliser ce premier élan n’est donc pas toujours nécessaire. Lorsqu’une œuvre touche suffisamment pour donner immédiatement envie de vivre avec elle, cela constitue une bonne raison de la choisir.

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Et lorsque l’on hésite ?

Parfois, la décision demande davantage de temps. Plusieurs œuvres peuvent plaire, le prix peut inviter à réfléchir ou il peut être difficile d’imaginer immédiatement la sculpture dans son propre intérieur.

On peut alors revenir la voir, comparer ou simplement laisser mûrir son choix. Les dimensions, l’emplacement envisagé ou le budget entrent naturellement dans la réflexion.

Cette hésitation ne rend pas le choix plus juste qu’un achat spontané. Elle correspond simplement à une autre manière de décider.

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La raison et le coup de cœur ne s’opposent pas

Un choix peut être immédiat tout en étant parfaitement assumé. À l’inverse, une réflexion plus longue peut conduire exactement à la sculpture qui avait attiré l’attention dès le départ.

Il n’est donc pas nécessaire de choisir entre raison et attirance. Selon les personnes et les œuvres, l’une peut suffire ou les deux peuvent intervenir.

Ce qui compte finalement est beaucoup plus simple : avoir envie de vivre avec l’œuvre que l’on choisit.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Au cœur de la Champagne, Sézanne est une petite ville qui se découvre facilement à pied. Son centre ancien conserve des rues et ruelles, des maisons à pans de bois, des façades en pierre et plusieurs éléments qui témoignent de son histoire.

L’église Saint-Denis domine le centre-ville. Autour du cœur historique, les Mails forment une ceinture arborée aménagée à l’emplacement des anciennes fortifications médiévales. Ces promenades permettent de faire le tour du centre ancien tout en découvrant différents points de vue sur la ville.

Au-delà des toits apparaissent les coteaux environnants, où les vignes, principalement plantées de chardonnay, rappellent immédiatement que la ville appartient au territoire du Champagne.

Sous ces coteaux, la craie joue un rôle essentiel. Caractéristique du sous-sol champenois, elle favorise le drainage tout en conservant l’eau dont la vigne a besoin. Le paysage visible trouve ainsi une partie de son origine sous terre.

Sézanne bénéficie aujourd’hui du label Petite Cité de Caractère^®, qui met notamment en valeur ce patrimoine architectural et urbain.

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Une ville reconstruite sur son histoire

Le sous-sol de la ville raconte également une autre partie de son histoire.

Sézanne a longtemps été une ville commerçante, notamment à l’époque des foires de Champagne. De cette ville médiévale subsiste un patrimoine moins visible : un important réseau de caves des XIIe et XIIIe siècles, autrefois utilisées par les marchands pour stocker leurs marchandises.

En mai 1632, un immense incendie ravage presque entièrement la ville et ses faubourgs. Plus de 1 200 maisons sont alors détruites. Sézanne est reconstruite, mais une grande partie des caves médiévales échappe au désastre et sert de fondation aux nouvelles constructions. Sous certaines maisons actuelles subsiste ainsi une ville beaucoup plus ancienne que celle que l’on voit depuis la rue.

L’église Saint-Denis résiste elle aussi à l’incendie. Quant aux anciennes fortifications, elles disparaissent progressivement avant d’être comblées au XVIIIe siècle pour laisser place aux Mails qui entourent aujourd’hui le centre.

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Sézanne au cœur des deux guerres mondiales

En septembre 1914, Sézanne se trouve aux abords immédiats de l’un des secteurs importants de la première bataille de la Marne. La IXe armée française, commandée par le général Foch, combat alors devant Sézanne et dans les marais de Saint-Gond.

Aujourd’hui, le paysage laisse difficilement imaginer que des combats d’une telle ampleur se sont déroulés à quelques kilomètres de la ville. Pourtant, ces événements ont profondément marqué son histoire et ses environs.

Trente ans plus tard, la ville est de nouveau confrontée à la guerre. Bombardée en mai 1940 puis occupée, elle connaît l’organisation d’une Résistance locale avant d’être, le 27 août 1944, la première ville de la Marne libérée par les troupes américaines.

Mais regarder Sézanne autrement ne consiste pas seulement à retrouver les traces de son passé. La ville réserve aussi des découvertes plus actuelles, parfois dans des endroits que rien ne signale particulièrement au visiteur.

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Un lieu consacré à la sculpture

C’est le cas de l’espace d’exposition d’Alain Choisnet, situé à quelques minutes du centre.

On y découvre des sculptures en bronze inspirées par la douceur féminine, dont l’élégance et la sérénité nous plongent dans un univers hors du temps.

L’artiste y reçoit les visiteurs sur rendez-vous et leur présente son travail, sa démarche et les différentes étapes de création d’une sculpture en bronze.

Cette découverte offre ainsi une autre manière de prolonger une visite de Sézanne, cette fois du côté de la sculpture contemporaine.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Choisir l’emplacement d’une sculpture ne consiste pas seulement à trouver un espace disponible. Sa hauteur, la lumière qu’elle reçoit, son environnement ou encore la possibilité de la regarder sous différents angles peuvent sensiblement changer la manière dont on la découvre.

Il n’existe pas de règle absolue, mais quelques principes simples permettent de mieux mettre une sculpture en valeur.

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À quelle hauteur placer une sculpture ?

La bonne hauteur dépend du format de la sculpture, mais aussi de l’endroit depuis lequel elle sera le plus souvent regardée.

Dans un lieu de passage, une sculpture destinée à être découverte principalement debout peut être placée sur une console, une sellette ou un guéridon, à une hauteur qui permet de la regarder naturellement.

Dans un salon, le raisonnement peut être différent. Près d’un canapé ou d’un fauteuil, il peut être préférable de placer la sculpture plus bas afin qu’elle se trouve naturellement dans le champ de vision lorsque l’on est assis. Une sculpture assise ou allongée se prête particulièrement bien à ce type d’installation.

Les sculptures de grand format peuvent être installées directement au sol. Il faut alors tenir compte du recul disponible, mais aussi des principaux endroits de la pièce depuis lesquels elles seront vues.

La hauteur idéale n’est donc pas une mesure à respecter : elle dépend de l’emplacement et de la position habituelle de celui qui regarde la sculpture.

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Laisser de l’espace autour de la sculpture

Une sculpture gagne généralement à ne pas être noyée parmi les objets décoratifs. Sur une console ou un meuble couvert de cadres, de vases ou de bibelots, elle risque de se confondre avec son environnement.

Il n’est pas nécessaire pour autant de l’isoler complètement. Quelques objets peuvent parfaitement cohabiter avec elle dès lors qu’ils ne lui font pas concurrence.

Contrairement à un tableau, une sculpture est conçue en trois dimensions. Lorsque cela est possible, son emplacement doit donc permettre de la découvrir sous différents angles. Elle n’a pas besoin d’être placée au centre d’une pièce : devant un mur, sur une console ou dans une niche, ses principaux points de vue peuvent rester accessibles.

Lorsque l’espace ne permet pas de circuler autour d’elle, un miroir placé derrière ou à proximité peut offrir un autre point de vue et révéler une face moins visible.

Pour les grands formats, il faut également tenir compte de la circulation. La sculpture doit disposer d’un recul suffisant sans devenir un obstacle dans les déplacements.

La lumière peut tout changer

Pour une sculpture figurative, et notamment pour les sculptures d’Alain Choisnet, l’éclairage joue un rôle important dans la perception des formes, des visages et des patines. Les conseils qui suivent concernent donc avant tout ce type de sculpture.

La lumière naturelle évolue au cours de la journée et modifie continuellement la perception du bronze et de sa patine. Avant de choisir définitivement un emplacement, il peut être intéressant de déplacer la sculpture ou de la faire pivoter légèrement. Quelques centimètres ou une orientation différente peuvent suffire à modifier sensiblement ce que l’on en perçoit.

Pour un éclairage artificiel, mieux vaut privilégier une ampoule offrant une lumière proche de la lumière du jour. Une lumière blanche trop froide a tendance à aplatir les volumes et à modifier la perception des couleurs de la patine.

La direction de la lumière est tout aussi importante. Un éclairage placé directement au-dessus ou, plus encore, en dessous de la sculpture crée sur un visage des ombres très différentes de celles que nous avons l’habitude de voir. Les traits peuvent alors paraître plus durs ou être déformés par des ombres qui s’allongent vers le bas ou vers le haut.

Un éclairage légèrement latéral, placé à une hauteur proche ou un peu supérieure à celle du visage, est généralement préférable. Il fait apparaître les volumes tout en conservant un modelé naturel des traits. La distance et l’orientation de la source peuvent ensuite être ajustées en observant directement leur effet sur la sculpture.

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Tenir compte du bronze et de son environnement

Le bronze permet une installation dans de nombreuses pièces de la maison, mais certaines précautions restent utiles.

Une atmosphère durablement humide peut, avec le temps, provoquer des réactions à la surface du métal et modifier l’aspect de la patine. Mieux vaut donc éviter les endroits régulièrement exposés à la vapeur d’eau ou à la condensation.

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Essayer plusieurs emplacements avant de décider

L’emplacement imaginé au départ n’est pas toujours celui qui fonctionne le mieux une fois la sculpture installée.

Avant de décider, il peut donc être intéressant de faire quelques essais et de vivre quelque temps avec la sculpture à différents endroits.

La bonne place est finalement celle où l’on prend plaisir à la regarder au quotidien.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Comment se construit l’identité artistique d’un sculpteur ?

On reconnaît parfois le travail d’un artiste avant même d’avoir lu son nom. Un sujet, une manière de traiter les formes ou certaines constantes suffisent à créer cette familiarité.

Cette identité ne se décide pourtant pas nécessairement au début d’un parcours. Elle peut se construire progressivement, à mesure que l’artiste travaille, fait des choix, abandonne certaines directions et revient vers celles qui lui correspondent davantage.

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Une identité qui apparaît avec le temps

Un artiste peut explorer différents sujets ou différentes manières de travailler avant de trouver une direction qui lui est propre. Certaines recherches restent sans lendemain, tandis que d’autres s’imposent naturellement et deviennent récurrentes.

Peu à peu apparaissent des choix qui ne sont plus occasionnels : des sujets auxquels l’artiste revient, une façon de modeler, certaines proportions ou encore une manière particulière d’aborder une attitude.

L’identité artistique naît en grande partie de cette continuité. Elle n’interdit ni l’évolution ni de nouvelles recherches, mais celles-ci viennent enrichir un travail dont les fondements sont déjà reconnaissables.

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Ce qui permet d’identifier le travail d’un artiste

Il n’existe pas un élément unique qui permette de définir un style. Le sujet peut être déterminant, mais il ne suffit pas : deux sculpteurs travaillant à partir du même modèle peuvent aboutir à des sculptures très différentes.

La manière de simplifier ou au contraire de préciser les formes, les proportions choisies, le traitement des surfaces, les attitudes ou la façon d’utiliser un matériau participent également à cette identité.

Avec le temps, ces choix finissent par former un langage propre à l’artiste. Ils permettent parfois de reconnaître son travail sans signature et sans connaître le titre de la sculpture.

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Une identité n’est pas une répétition

Être reconnaissable ne signifie pas reproduire continuellement la même sculpture. Une identité artistique suffisamment affirmée permet au contraire d’explorer de nouveaux sujets sans perdre ce qui caractérise le travail.

L’évolution peut alors se faire par petites transformations : une nouvelle attitude, un format différent, l’introduction d’un drapé ou une autre façon de travailler les surfaces. Certaines sculptures s’éloignent davantage des précédentes, tout en conservant des caractéristiques communes.

C’est cette possibilité d’évoluer sans devoir recommencer à chaque fois dans une direction entièrement différente qui permet à un travail de se développer dans la durée.

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L’identité artistique d’Alain Choisnet

Alain Choisnet n’a pas défini dès ses premières sculptures l’ensemble des caractéristiques qui allaient devenir celles de son travail. Elles se sont précisées progressivement avec la pratique.

Le choix de se consacrer au féminin s’est imposé comme une constante. Les sculptures privilégient des attitudes calmes, avec une recherche d’élégance et de raffinement qui se retrouve aussi bien dans les nus que dans les sculptures drapées.

D’une sculpture à l’autre, les modèles et les attitudes changent, mais cette orientation demeure. C’est cette continuité, construite au fil des années plutôt que définie à l’avance, qui constitue aujourd’hui l’identité de son travail.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Original et multiple : quelle différence ?

Une sculpture en bronze peut être réalisée en plusieurs exemplaires à partir d’un même modèle créé par l’artiste. Le nombre prévu et le type d’édition déterminent alors son statut.

En France, une sculpture en bronze éditée comme œuvre originale est limitée à huit exemplaires numérotés auxquels peuvent s’ajouter quatre épreuves d’artiste. Chacun de ces bronzes possède le statut d’original, même s’il en existe plusieurs.

Lorsqu’une sculpture est conçue dès le départ pour être réalisée dans un tirage supérieur, elle relève d’une autre forme d’édition : le multiple.

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Qu’appelle-t-on un multiple en sculpture ?

Un multiple est une sculpture destinée à être éditée en un nombre d’exemplaires plus important. Le tirage peut compter quelques dizaines d’exemplaires ou davantage selon le choix de l’artiste.

Chaque exemplaire provient du même modèle initial. Le multiple permet donc de diffuser plus largement une création sans pour autant la présenter comme appartenant à une édition originale limitée.

Cette distinction doit être connue dès l’origine : l’acquéreur doit pouvoir savoir clairement s’il s’agit d’une édition originale ou d’un multiple et connaître le nombre d’exemplaires prévu.

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Un choix effectué dès le début de l’édition

Le statut de la sculpture et le nombre d’exemplaires sont arrêtés dès la réalisation du premier bronze.

Une sculpture annoncée en édition originale limitée ne peut donc pas devenir un multiple une fois son tirage épuisé. De la même manière, un multiple ne correspond pas à la poursuite d’une édition originale au-delà des exemplaires initialement prévus.

Cette règle permet de préserver la nature de l’édition telle qu’elle a été définie au départ.

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Un multiple n’est pas une simple copie

Le mot « multiple » peut parfois laisser penser à une reproduction réalisée à partir d’une sculpture existante. Ce n’est pas nécessairement le cas.

Le multiple peut être prévu par l’artiste dès la création du modèle et faire pleinement partie de son projet. Les différents bronzes sont alors réalisés à partir de ce même modèle selon le procédé de fonte retenu.

La différence avec une édition originale ne réside donc pas dans l’intérêt artistique de la sculpture, mais dans son statut et dans le nombre d’exemplaires annoncé.

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Pourquoi choisir le multiple ?

Le multiple permet à une sculpture d’être proposée à un plus grand nombre d’amateurs. Un tirage plus important permet également de proposer des conditions d’acquisition différentes de celles d’une édition originale limitée.

Pour l’artiste, ce choix peut avoir du sens lorsqu’il souhaite donner une diffusion plus importante à un modèle particulier sans remettre en cause la limitation des sculptures qu’il a choisi d’éditer en original.

Original et multiple répondent ainsi à deux logiques différentes, qui peuvent parfaitement coexister dans le travail d’un même artiste.

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Les éditions d’Alain Choisnet

Les sculptures en bronze d’Alain Choisnet sont principalement proposées en éditions originales limitées. Certains modèles peuvent néanmoins être proposés sous forme de multiples.

Pour approfondir la distinction et comprendre précisément le statut des exemplaires numérotés et des épreuves d’artiste, vous pouvez consulter l’article Ce qu’est un original en sculpture.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Lorsqu’on envisage l’acquisition d’une œuvre, il est naturel de chercher à mieux connaître l’artiste et la place qu’occupe son travail sur le marché. La cote fait partie des informations que l’on peut alors rencontrer.

Mais comment savoir si un artiste est coté ? Où chercher cette information et, surtout, comment l’interpréter ?

Il n’est évidemment pas nécessaire de reconstituer soi-même l’historique de ses ventes. Des références spécialisées permettent de rechercher un artiste et d’obtenir des indications sur son marché. Encore faut-il comprendre ce que ces informations représentent.

Où rechercher la cote d’un artiste ?

Le moyen le plus simple consiste à consulter les bases et publications spécialisées dans le marché de l’art. Une recherche effectuée avec le nom de l’artiste permet de vérifier s’il y est référencé et de consulter les informations disponibles.

En France, Akoun constitue l’une de ces références. Il répertorie de nombreux artistes et publie des indications de cote permettant de disposer d’un premier repère.

Pour les artistes dont les œuvres sont passées en ventes publiques, il existe également des bases recensant les résultats d’enchères. Elles permettent de retrouver des œuvres effectivement vendues, avec leur description, la date de la vente et le montant obtenu.

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Cote et résultat d’enchères : quelle différence ?

Les deux informations sont utiles, mais elles ne répondent pas exactement à la même question.

Un résultat d’enchères indique le prix obtenu par une œuvre précise lors d’une vente précise. Il dépend de nombreux éléments : l’œuvre elle-même, son format, son état, sa provenance, mais également des acheteurs présents ce jour-là.

La cote cherche à fournir un repère plus général sur le niveau de valeur associé au travail d’un artiste. Selon la source consultée, sa méthode de calcul et les informations prises en compte peuvent différer.

Une adjudication particulièrement élevée ou, au contraire, particulièrement basse ne suffit donc pas à résumer à elle seule la cote d’un artiste.

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Comment se construit la cote d’un artiste ?

La cote se construit progressivement à partir de différents éléments liés au marché de l’artiste. Les prix pratiqués, les ventes réalisées, la régularité des acquisitions et les résultats obtenus lorsque des œuvres apparaissent sur le marché secondaire apportent différents points de référence.

Les galeries interviennent également dans cette évolution. Sur le marché primaire — où une œuvre est vendue pour la première fois — elles participent à l’établissement et à l’évolution de ses prix.

Le parcours compte lui aussi : les années de création, les expositions, les collaborations avec des galeries et la continuité du travail permettent de replacer les données économiques dans leur contexte.

Une cote ne naît donc pas d’un événement isolé. Elle prend davantage de sens lorsqu’elle peut s’appuyer sur un historique suffisamment établi.

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Être coté signifie-t-il que toutes les œuvres ont la même valeur ?

Non. La cote concerne l’artiste et fournit un repère ; elle ne constitue pas le prix applicable indistinctement à toutes ses œuvres.

Pour un sculpteur, les différences peuvent être importantes. Le format, le modèle, le type d’édition et les coûts de réalisation interviennent dans les conditions d’acquisition de chaque sculpture.

Une cote ne permet donc pas d’affirmer qu’une sculpture donnée « vaut » automatiquement une certaine somme. Son prix dépend des caractéristiques propres à l’œuvre concernée.

→ Comprendre le prix d’une sculpture en bronze

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Une cote permet-elle de prévoir la valeur future d’une œuvre ?

C’est une autre distinction importante. Une cote renseigne sur une situation connue à un moment donné. Elle ne garantit pas qu’une œuvre prendra de la valeur.

Le marché d’un artiste peut évoluer avec son parcours, la demande des collectionneurs, sa visibilité et les transactions réalisées au fil des années. Cette évolution peut être favorable, stable ou connaître des périodes moins actives.

La cote doit donc être considérée comme un repère, et non comme une promesse de valorisation future.

Alain Choisnet est référencé par Akoun, qui publie une cote à son nom.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Bien plus qu’une couleur

Après les opérations de ciselure et de finition du métal, le bronze présente naturellement une couleur dorée. La patine va profondément modifier son aspect et lui donner la couleur choisie par l’artiste.

Bruns, noirs, verts, rouges ou tonalités plus claires peuvent être obtenus selon les produits employés et la manière dont ils réagissent avec le métal.

La patine constitue ainsi l’une des dernières étapes de la réalisation d’un bronze, mais aussi l’une des plus déterminantes pour son aspect définitif.

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Le choix de la patine par l’artiste

La réalisation de la patine est confiée au patineur, tandis que le choix de la couleur appartient à l’artiste.

Pour chaque sculpture, Alain Choisnet définit avec lui la patine lors de la réalisation du premier exemplaire. Celle-ci devient ensuite la référence pour toute l’édition.

Pour les exemplaires suivants, le patineur cherche à retrouver cette patine de référence, tout en tenant compte des réactions propres à chaque bronze.

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Comment obtient-on une patine ?

Contrairement à une peinture, la patine n’est pas simplement une couleur déposée à la surface du bronze. Elle résulte de réactions chimiques provoquées directement sur le métal.

Le patineur chauffe progressivement la sculpture au chalumeau puis applique différents produits, généralement au pinceau. La température du bronze, la composition et la concentration des solutions, ainsi que le nombre d’applications permettent d’obtenir des résultats très différents.

Il n’existe donc pas une recette permettant de reproduire mécaniquement une patine. Le savoir-faire du patineur repose largement sur son expérience et sur la maîtrise des réactions du bronze.

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La préparation du bronze

Avant de commencer, la surface doit être soigneusement préparée. Les traces susceptibles de perturber les réactions sont éliminées afin de travailler sur un métal propre.

La sculpture peut ensuite être chauffée progressivement. Le patineur commence alors ses premières applications et observe immédiatement la réaction du bronze.

Cette préparation est importante : une surface irrégulièrement nettoyée ou préparée peut modifier le résultat obtenu.

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Un travail qui se construit progressivement

La couleur définitive n’apparaît généralement pas en une seule application. Le patineur travaille par passages successifs, en faisant varier les produits, leur concentration et la température du métal.

Certaines zones peuvent être reprises plusieurs fois afin d’accentuer ou au contraire d’atténuer une tonalité. Ce travail progressif permet d’obtenir des nuances qu’une application uniforme de couleur ne produirait pas.

C’est aussi ce qui explique qu’une patine réalisée à la main puisse présenter de légères différences d’un exemplaire à l’autre d’une même sculpture.

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La cire, dernière étape

Lorsque la patine est terminée, une fine couche de cire est appliquée sur le bronze. Elle protège sa surface et contribue à conserver son aspect.

La sculpture est ensuite lustrée. Cette opération constitue la dernière étape de finition du bronze.

La cire devra par la suite être renouvelée occasionnellement selon les conditions dans lesquelles la sculpture est conservée.

→ Entretenir une sculpture en bronze

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Une étape décisive pour Alain Choisnet

Dans le travail d’Alain Choisnet, les bruns occupent une place importante, souvent associés au blanc ou à d’autres tonalités selon les sculptures.

Le choix de ces couleurs est pensé dès la création de chaque modèle et prend sa forme définitive lors de la réalisation du premier bronze.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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Comment êtes-vous venu à la sculpture ?

Je suis né en Bretagne en 1962, au pied du château de Fougères, mais j’ai grandi en région parisienne. J’ai assez rapidement préféré la vie active, tout en poursuivant des études philosophiques qui m’ont beaucoup apporté dans ma compréhension des autres et dans ma manière de m’affirmer.

J’ai toujours aimé travailler la matière pour lui donner une forme. Le papier, le bois, l’acier, le plâtre ou la terre ont successivement nourri cette envie de créer. Ma première rencontre avec l’argile remonte à plus de quarante ans, mais il m’a fallu du temps pour comprendre toutes les possibilités qu’elle pouvait m’offrir. Je pense simplement que je n’étais pas encore prêt à les exploiter.

Pourquoi le féminin occupe-t-il une place aussi importante dans votre travail ?

Le féminin m’inspire énormément. Je cherche à transmettre quelque chose d’apaisant à travers l’esthétique et l’élégance naturelle des femmes.

Mon inspiration peut venir d’une attitude aperçue au hasard de la vie, d’une photographie, d’un tableau… Je ressens une émotion et j’ai envie de la partager. Il suffit parfois d’une posture ou d’un mouvement pour faire naître l’idée d’une sculpture.

Attendez-vous que l’inspiration arrive ?

Non, justement. Je laisse rarement l’inspiration venir à moi : je la provoque, je vais la chercher.

Je ne cherche pas en permanence une nouvelle idée. J’attends de sentir que le moment est venu de m’investir dans une nouvelle création et, à partir de là, je cherche ce qui va la déclencher.

Lorsque l’idée apparaît, j’ai en revanche besoin de la mettre en forme rapidement. Je peux ressentir une véritable frustration lorsque je ne peux pas concrétiser immédiatement ce que j’ai en tête, par manque de temps ou de disponibilité.

Certains sculpteurs ont-ils particulièrement compté pour vous ?

Certaines sculptures me procurent une émotion très forte. C’est ce qui me touche en premier. Et ensuite, quand je regarde le travail réalisé, je suis admiratif de la précision, de la recherche esthétique et du soin apporté au moindre détail.

Je retrouve cela chez certains sculpteurs de la Renaissance italienne comme chez des artistes du XIXe siècle. Ce ne sont pas tant leurs styles ou leurs époques qui m’inspirent, mais ce qu’ils sont parvenus à faire.

Il me suffit parfois de revoir quelques-unes de leurs œuvres pour avoir immédiatement envie de créer. Pour moi, c’est une source d’inspiration inépuisable.

Comment une sculpture prend-elle forme ?

Une fois que j’ai trouvé l’attitude et l’émotion qu’elle doit susciter, je commence par la construire mentalement. C’est probablement l’un des moments que je préfère, parce que la sculpture existe déjà dans mon esprit avant que je commence à travailler la terre.

Vient ensuite le moment de la matérialiser le plus fidèlement possible. Je travaille principalement la terre et la plastiline, avec très peu d’outils : quelques ébauchoirs, mirettes et pinceaux. J’utilise aussi des repousse-peaux en bois, normalement destinés aux cuticules, ou encore des cure-dents pour travailler certains détails des visages en terre.

Je préfère travailler une seule sculpture à la fois afin de rester concentré sur l’idée de départ jusqu’à son achèvement. Je travaille rarement une journée entière sur une sculpture : dès que je sens que je n’ai plus suffisamment de recul sur ce que je fais, je préfère m’arrêter, parfois plusieurs jours, puis y revenir avec un œil neuf.

Que ressentez-vous lorsqu’une sculpture est terminée ?

C’est un moment assez particulier. Tant qu’une sculpture est en cours, elle occupe une partie de mon esprit. Lorsqu’elle est achevée, je retrouve une forme de liberté mentale. Et, paradoxalement, à peine cette liberté retrouvée, je n’ai qu’une envie : me plonger dans une nouvelle création.

Qu’est-ce qu’une sculpture réussie pour vous ?

Ce n’est pas nécessairement celle qui me paraît techniquement la plus aboutie. Une sculpture est réussie lorsqu’elle parvient à transmettre quelque chose de proche de ce que j’avais ressenti au départ.

Mais j’ai également appris à ne pas expliquer à celui qui regarde l’une de mes sculptures ce qu’il devrait y voir. Ce qui se passe entre une personne et une sculpture lui appartient. Elle peut y trouver quelque chose que je n’avais moi-même pas imaginé.

C’est pour cette raison que je commente très peu mes sculptures. Donner mon interprétation risquerait d’orienter celle des autres. Je préfère laisser chacun découvrir ce qu’une sculpture provoque chez lui.

Le regard des autres influence-t-il votre travail ?

Les goûts diffèrent naturellement d’une personne à l’autre. Je comprends parfaitement que certaines de mes sculptures puissent ne pas séduire tout le monde. Il faut en revanche savoir repérer et écarter les personnes dont les paroles, sous couvert de critique, sont subtilement dénigrantes.

Les remarques techniques m’intéressent davantage. Je considère que j’ai toujours quelque chose à apprendre et je suis volontiers attentif à ce qui peut me permettre de progresser.

Quelle place la sculpture occupe-t-elle dans votre vie ?

Je la considère toujours davantage comme une passion que comme un métier, même si elle est devenue mon activité. Pouvoir consacrer mon temps à créer reste pour moi un privilège.

La sculpture occupe forcément une place importante dans ma vie, mais je tiens aussi à conserver la liberté avec laquelle j’ai commencé : créer lorsque j’en ai envie, choisir mes sujets et rester maître de mon travail.

→ Découvrir les sculptures en bronze

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